Hery Matisse: "Vista de Collioure" (1906). San Petesburgo. "Mujer marroquí" (1912). San Petesburgo.
Nos encontramos en la ciudad de París, a finales de 1905. Un crítico de arte pasea por las estancias donde se presenta el Salón de Otoño correspondiente a ese año. Una parte de los cuadros que forman la exposición producen en el crítico una fuerte conmoción. Le resultan tremendamente desagradables, mal realizados, sin ninguna profesionalidad y con colores chillones. Para calificar lo que ha visto no se le ocurre otra denominación mejor que la de cuadros "fauves" (fieras, en nuestra lengua). Así fue como Louis Vauxcelles dio nombre, aún sin quererlo, a un nuevo movimiento pictórico, una de las primeras vanguardias artísticas del siglo XX: el fauvismo. El arte de las fieras.
Maurice Vlaminck: "El restaurante `la Machine´, en Bougival" (Hacia 1905). Paris.
Los pintores fauvistas reaccionan de forma radical contra los postulados impresionistas. Para ellos el objeto principal de la pintura no ha de ser la luz, sino el color. Niegan que sea la luz la que cree los colores y casi afirman que el color tiene existencia por sí mismo. Esa es la esencia del fauvismo: la pasión por el color, al que dejan expresarse de manera pura. Las mezclas en la paleta resultan innecesarias; mejor emplear la pintura tal como sale del bote. Colores puros, planos, vivos, llamativos, sin mezcla que los contamine. Pero para que los colores no se "peleen" hace falta dibujar, marcar los contornos de las figuras, señalar unas fronteras entre ellos. Hay por tanto también en el fauvismo una clara recuperación del dibujo, en cuanto que ayuda a definir el espacio de cada color.
De esa última idea de espacio pictórico arranca la otra gran característica del fauvismo. El color es plano, el espacio es plano en el cuadro, de manera que la perspectiva va a perderse en manos del color, la profundidad deja casi de existir y además no existen focos de luz que organicen la superficie pictórica. El color crea el espacio y, además, es amigo de lo simple, de lo sencillo. He aquí una huella de los planteamientos que Gaugin había ya formulado.
Andre Derain: "El puente de Charing Cross, en Londres" (1906). Washington.
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Fue así como los principales pintores fauvistas, los francesesHenry Matisse(1869-1954) yAndré Derain(1880-1954) o el holandés Maurice Vlaminck (1876-1958), crearon durante algunos años una corriente pictórica enormemente poética, basada en la sencillez, en la que tratan de reflejar la realidad de forma absolutamente emocional; a fin de cuentas, los colores describen emociones. Su pintura está vinculada al mundo de los sentidos, a la percepción. Por eso un ser humano puede ser rojo y el agua de un río amarilla o las montañas rosas. El color lo es todo.
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Visitad esta exposición virtual sobre el fauvismo en la Galería Nacional de Washington y consultad más datos sobre los fauvistas y sus obras en esta página.
Se dice que es arte todo aquello que hace el ser humano con una finalidad estética o con intención de transmitir algo, ya sean emociones, sentimientos… Por tanto sabemos que existen muchas formas de hacer arte, y una de las más trascendentes es la pintura.
Desde las pinturas rupestres, en la prehistoria, este arte ha ido evolucionando y dejando a la humanidad una herencia de valor incalculable.
En España hemos tenido grandes pintores reconocidos a nivel mundial, como Picasso o Velázquez, de los que se conservan grandes obras, la mayoría de ellas expuestas en museos. Sin embargo no siempre fueron valorados de la misma forma. Parece que es un patrón que se repite generación de pintores tras generación. La mayoría de los reconocimientos fueron a título póstumo de los artistas, al igual que su fama.
Antonio López García
Lo que realmente parece llamativo no es que los artistas no fueran reconocidos en esos momentos, sino que siga siendo de la misma forma con la generación de pintores actual. En España tenemos un claro exponente de la pintura del siglo XX y XXI, Antonio López, al que se le han concedido algunos reconocimientos oficiales pero, aún así, son pocos los privilegiados que conocen al artista y pueden disfrutar de su obra.
Antonio López nació en 1936 en Tomelloso, provincia de Ciudad Real y desde muy joven supo que su vida iba a estar dedicada a transmitir mediante la pintura. Por las características de su obra, se ha convertido en uno de los máximos exponentes del hiperrealismo, y es que más que pinturas, en ocasiones, parecen fotografías. Es impresionante la forma que tiene de reflejar en el lienzo todo lo que ve.
En su obra vemos un minucioso estudio de la forma, de los detalles y una clara intención de plasmar la realidad de la manera más fiel posible. De esta forma, parece casi imposible encontrar diferencias entre la imagen real y la pintura de Antonio López. Como vemos en una de sus obras más conocidas, La Gran Vía de Madrid. Es muy común en su obra, ver paisajes o escenarios de la vida cotidiana, como un baño o una cocina, y figuras humanas realizando tareas diarias.
Cuadro de la Gran Vía
También en escultura podemos ver trabajos del maestro, que muestran detalles profundos de las formas, como se observa en la cabeza de bebé gigante.
Destaca sobre el resto de pintores de su generación por salirse de la tendencia actual, que tiende a lo abstracto.
Sin duda alguna, este es el momento para conocer la obra del gran Antonio López y comenzar a cambiar ese “patrón” que lleva siglos siendo una lacra para la pintura mundial.
“El lenguaje de la pintura ha ido haciéndose más complejo porque el mundo también se ha vuelto así” Antonio López
En el mundo de las artes, el hiperrealismo es una corriente pictórica en la que si alguien no te dice que estás viendo una pintura, probablemente creas que te encuentras frente a una hermosa fotografía. Por eso, te advertimos que en esta publicación solo incluimos pinturas hiperrealistas elaboradas por las manos de artistas sumamente talentosos.
Tjalf Sparnaay
¿Se te antoja la comida en este gráfico? ¿Parece lo suficientemente buena como para incluirla en un menú?
En realidad se trata de una pintura al óleo, obra del artista holandés Tjalf Sparnaay, que suele crear maravillosas representaciones de comida con sus trazos. A los 61 años de edad, el artista es considerado una de las figuras más importantes de la corriente internacional del arte hiperrealista y viene trabajando con la técnica desde 1987. Los precios de sus obras oscilan entre los USD$ 20 mil y USD$ 130 mil dólares, según el tamaño.
Joongwon Charles Jeong
Frecuentemente confundidas con una fotografía, las pinturas de Joongwon Charles Jeong son terriblemente realistas.
El artista suele valerse de movimientos muy delicados de pincel e incluso detalla los poros sobre la piel de los personajes que se propone retratar. Tiene su sede en Corea del Sur y estudió Diseño y Comunicación Visual en la Universidad Hongik de Bellas Artes, en Seúl. También suele compartir sus conocimientos con jóvenes artistas interesados en la técnica.
Gottfried Helnwein
De orígenes austriaco-irlandeses, Gottfried Helnwein es un artista visual que labora como pintor, diseñador, fotógrafo, muralista, escultor y artista de instalación y performance, empleando en su trabajo toda una gama de técnicas y medios de comunicación.
Esencialmente, Helnwein suele retratar en sus obras problemas relacionados con la ansiedad psicológica y sociológica, así como temas históricos y asuntos políticos. Como resultado de esta mezcla de conceptos tan volátiles, su trabajo muchas veces es considerado provocativo y controversial. Sus pinturas se encuentran entre las fronteras de lo perturbador y lo bello, pero siempre con una pizca de provocación.
Y aunque el tema de sus exposiciones generalmente no agrada a todos (pues gira en torno a la violencia y los niños), ciertamente sus habilidades con los pinceles y la pintura son innegables. Además, suele pintar con gafas de sol.
Este sujeto sabe que es bueno y se nota.
Emanuele Dascanio
Los tradicionales lápices de grafito en las manos de cualquier mortal generalmente no terminan más que en garabatos. Pero entre los dedos de Emanuele Dascanio pueden producir obras alucinantes, casi increíbles. Los retratos realistas de Dascanio vibran con emoción, energía y espiritualidad.
Con un desarrollo magistral de la técnica apoyado por su mirada artística, elabora imágenes que pueden engañar a los ojos más expertos.
Emanuele Dascanio nació en un municipio italiano llamado Garbagnate Milanese, en 1983. Tras titularse en la escuela de arte, trabajó por su cuenta durante cinco años. Después de esto se hizo asistente del famoso pintor australiano Gianluca Corona. Corona le enseñó a su pupilo las técnicas de los antiguos maestres del Renacimiento. Desde entonces, Dascanio ha sido reconocido por sus pinturas en el norte de Italia, entre los premios que se ha merecido está el prestigiado premio nacional de pintura Le Segrete Di Bocca.
El tema en el retrato de arriba se inspiró en la imagen del padre de Dascanio.
Roberto Bernardi
Actualmente con 40 años, Roberto Bernardi invierte hasta un mes elaborando cada una de sus increíbles obras visuales. Oriundo de la ciudad de Todi, en Italia, el artista se inició en la pintura a una edad muy temprana, y sus primeros trabajos con óleos provienen de los primeros años de la década de 1980.
Dedicó su estudio a aprender técnicas pictóricas que tendrían una influencia significativa en su formación artística. Tras una primera inclusión en el mundo de los paisajes y los retratos, Bernardi volcó todos sus esfuerzos al hiperrealismo.
Actualmente, sus obras están disponibles en la Bernarducci Meisel Gallery, en la ciudad de Nueva York, Estados Unidos. Los precios varían entre los $20 mil y los $130 mil dólares.
Eloy Morales
La siguiente imagen parece el resultado de una explosión en una fábrica de pinturas, pero es el impresionante trabajo del renombrado pintor hiperrealista español Eloy Morales.
De la misma forma que nuestro artista anterior, a Eloy le toma aproximadamente un mes concluir cada una de sus obras, trabajando unas ocho horas al día en su estudio. Si tomamos en cuenta el plazo, cantidad de detalles, tamaño de la obra y la calidad del hiperrealismo en el trabajo terminado es imposible no impresionarse.
Morales, que ya tiene 40 años, ha expuesto sus obras alrededor del mundo empezando por España, después Italia, Francia, Inglaterra, México y los Estados Unidos.
Robin Eley
Cuando finalmente descubres que las obras de Robin Eley son pinturas al óleo y no fotografías, es imposible no volver a mirar. Por más complicado que resulte pintar a las personas de una forma tan realista, Robin todavía se las arregla para “empacar” a sus modelos en plástico, lo que le da una pizca de genialidad extra a su arte.
Invierte aproximadamente cinco semanas en cada pintura, dedicándose unas 90 horas por semana. Intenta explorar la percepción del aislamiento en el mundo moderno, y la cubierta de plástico justamente funciona como un medio para esto, pues es algo a través de lo que se puede ver, pero es imposible de sentir por completo.
Diego Fazio
Conocido en Internet con el seudónimo de DiegoKoi, el artista Diego Fazio es capaz de hacer cosas increíbles con nada más que lápices. Sus retratos hiperrealistas frecuentemente son confundidos con fotografías en blanco y negro.
Nació en 1989 en la ciudad italiana de Lamezia Terme y, a diferencia de la mayoría de los artistas en nuestra lista, es un autodidacta. Comenzó a dibujar en 2007 y a la fecha se ha hecho acreedor de numerosos (y merecidísimos) reconocimientos.
Ran Ortner
Ran Ortner es un artista muy peculiar pues sus obras consisten en pinturas del océano sobre lienzos que alcanzan los dos metros y medio de ancho. Generalmente no muestra tierra, cielo, barcos, figuras o punto alguno de referencia. Lo suyo son las olas, olas en una forma hiperrealista.
Para lograr esas olas tan realistas, Ortner suele utilizar blanco de una forma predominante como a la vieja usanza, esto debido a su mayor translucidez. Mezcla el color empleando plomo oxidado y aceite de nuez que él mismo prepara a fuego lento durante tres días. Sus otros colores – grises, azules y verdes, algunos tonos rojizos y violetas – también provienen de una técnica tradicional, a partir de minerales combinados con aceites de linaza, semillas de amapola o nuez.
En el mes de octubre de 2009, Ortner recibió el primer ArtPrize, una competencia anual fundada por el empresario Rick DeVos, nieto del cofundador de Amway. La bonificación de medio millón de dólares es la mayor cantidad monetaria de este tipo para el arte en el mundo y se concede por decisión popular.
Tras más de 330 mil votos, la pintura “Open Water No. 24”, de Ortner, se alzó con la victoria. Antes de ganar, Ortner se las veía negras para llegar a fin de mes, y hasta se vio obligado a solicitar préstamos para saldar sus deudas.
Kyle Lambert
Seguramente reconoces esta imagen de Morgan Freeman que se volvió viral hace algún tiempo. La realizaron con un iPad y el responsable fue el artista Kyle Lambert a quien le tomó un mes de trabajo en la app Procreate.
El artista de origen británico pasó más de 200 horas en la aplicación y realizó más de 285 mil pinceladas, un proceso que fue documentado en un video – después de todo, no es el tipo de cosas que suceden frecuentemente.
Dru Blair
¿Fotografía? Al principio del artículo mencionamos que no pondríamos ninguna y lo cumpliremos. Esta imagen es de una modelo llamada Tica y no es una fotografía, sino una pintura.
La increíble y detallada obra pertenece a Dru Blair, que utiliza una técnica llamada “airbrush”. Valiéndose de pequeños aerógrafos hace delicados trazos de tinta, y esta pintura le tomó más de 70 horas de trabajo para llegar a este nivel de detalle. Si te fijas bien, incluso podrás notar los poros de la piel.
Pasadas las 21 horas de este domingo, a los 89 años, falleció el destacado pintor José Balmes, considerado uno de los padres del arte contemporáneo en Chile.
Después de varias semanas en un delicado estado de salud –que comenzaron cuando fue internado de urgencia en la Clínica Las Condes por un problema gastrointestinal, al que se sumó posteriormente una pulmonía–, el artista sufrió una falla multisistémica, falleciendo en su casa. "Se fue en el sueño", comentó Marcelo Aravena, galerista, amigo de la familia y representante del pintor.
Fuentes cercanas a la familia confirman que el velorio del destacado artista visual será en el Museo de Bellas Artes a partir de las 11:00 horas. Los funerales están planificados para el día siguiente en el Totoral, una zona rural ubicada al este de El Quisco.
El artista que llegó a Chile siendo un adolescente a bordo del barco Winnipeg, junto a cientos de españoles que venían huyendo de la Guerra Civil española, formó su carrera en nuestro país y fue uno de los primeros en difundir acá las vanguardias europeas, siendo uno de los padres del arte contemporáneo en la nación.
"El fue el primero en romper la pintura del caballete, de los paisajes y sentó las bases en el país del arte contemporáneo, es el primer referente, el fundador", afirma Aravena.
De acuerdo a la referencia que existe sobre su trabajo en el libro Chile Arte Actual (1988), de Milan Ivelic y Gaspar Galaz, "su obra se inscribe en una visión testimonial y crítica de los comportamientos humanos: la guerra, la violencia, la represión, la injusticia y la muerte son sus grandes preocupaciones. Su finalidad no es suministrar una información explícita a propósito de un acontecimiento actual, divulgado por los medios de comunicación; su intención es dar cuenta de un estado de conciencia: al abrir el espacio del arte, sobre un mundo que denuncia, reorienta la reflexión del espectador y pone en tela de juicio la situación mental de indiferencia colectiva".
Además de la extensa obra visual de Balmes, gran parte de su carrera estuvo ligada a la vida política, apoyando activamente el gobierno de la Unidad Popular encabezado por Salvador Allende y exiliándose en Francia tras el Golpe de Estado.
Y Casanova se reencarnó en mujer. Eso sí, vestida por Paul Poiret, con pendientes diseñados por Tanguy y Calder y posando para Man Ray. Siempre ha habido clases. Pobre niña rica, heredera multimillonaria, excéntrica y extravagante (lucía gafas de mariposa y siempre iba con sus inseparables lhasa apso), caprichosa (estaba acostumbrada a conseguir todo lo que deseaba), manipuladora, rebelde, autodestructiva, sexualmente liberada, promiscua, provocadora... Todo menos convencional.
Ataviada con sus originales gafas de mariposa, en Venecia ABC
Coleccionista compulsiva (atesoraba a la misma velocidad cuadros y amantes) y activa mecenas (apoyó a muchos artistas no sólo comprando sus obras y lanzando sus carreras, sino ayudándolos a salir del país huyendo del nazismo), Peggy Guggenheim (1898-1979) no dejó indiferente a nadie. Para unos, era tacaña e insegura. Acomplejada por su físico poco agraciado (heredó la horrible nariz de los Guggenheim), le atormentaba que los hombres estuvieran con ella sólo por su dinero. Pero así fue. Para otros, sin embargo, era inteligente, generosa y muy trabajadora. Antes que galerista estuvo empleada en la consulta de un dentista, en una librería...
La apasionada y apasionante vida de Marguerite (ese era su verdadero nombre) fue contada en primera persona, con todo lujo de detalles íntimos, en su autobiografía, «Confesiones de una adicta al arte». Habla en ellas sin tapujos de sus hazañas amatorias. Presumía de haber tenido más de 400 amantes. La crítica la vapuleó:tildó el libro de«confesiones ninfómanas». Matrimonios fallidos, romances tormentosos, viajes, fiestas, alcohol...
Una mujer maltratada
Ahora es Francine Prose, biógrafa de Ana Frank y Mary Shelley, quien cuenta su vida en tercera persona en «Peggy Guggenheim. El escándalo de la modernidad» (Turner). El libro no omite la violencia física que estuvo presente en todas sus relaciones sentimentales. Dicen que tentaba los límites de sus amantes hasta hacerles perder el control y que sirvió fría la venganza, empleando su fortuna para «manipular y castigar a los hombres por tratarla mal o no quererla lo suficiente. Soportaba el daño físico y psicológico, humillando a los hombres, controlándolos con su dependencia económica». Son tremendos los episodios de maltrato que sufrió por parte de sus parejas.
Tomando el sol en la terraza de su palacio veneciano- ABC
Las tragedias familiares marcaron su vida. Ríanse de las de Sófocles. Su padre, Benjamin Guggenheim, iba a bordo del Titanic. Con su elegante esmoquin, ayudó a subir a los botes a los pasajeros, pero él se negó a hacerlo. Su madre, Florette Seligman, era obsesiva compulsiva. Su hermana Benita murió al dar a luz. Dos de sus sobrinos cayeron desde el piso 16 de un rascacielos por motivos inexplicables. Y su hija Pegeen, inestable mentalmente, traumatizada, depresiva, alcohólica..., murió prematuramente, doce años antes que ella. Se barajó el suicidio. «Sentí que toda la luz de mi vida se apagaba», se lamentaba Peggy Guggenheim, a quien Gore Vidal define, con certero tino, como «la última de las heroínas trasatlánticas de Henry James, como una Daisy Miller con más pelotas».
Los hombres de su vida
Su primer marido fue el escritor Laurence Vail («rubio, ojos azules, porte aristocrático»), con quien tuvo sus dos únicos hijos:Sindbad y Pegeen. Estuvieron seis años juntos. Cuenta Francine Prose que Vail le tiraba los zapatos por la ventana, destrozaba los muebles, le daba empujones por la calle, le untaba mermelada en el pelo... Un día casi la ahoga en la bañera y, estando embarazada, le tiró un plato de judías. Pero el amor de su vida fue el también escritor John Ferrar Holms. Una especie de Pigmalión para Peggy:«Me tuvo en la palma de la mano. Dirigió cada uno de mis movimientos, de mis pensamientos». Tampoco fue un santo.
El pintor Max Ernst fue uno de sus maridos ABC
Relata la biógrafa que la obligó a permanecer desnuda durante horas ante una ventana abierta en diciembre, le tiró whisky a los ojos... Tras su muerte, Peggy perdió el norte: «Llevaba años siendo esclava de John. No tenía ni la menor idea de cómo vivir mi vida. Tras su muerte vivía con el terror de quedarme sin alma». Incluso intentó suicidarse. Otro hombre importante en su vida fue el dramaturgo Samuel Beckett. Guapo, culto y diez años más joven que ella, era muy educado... hasta que perdía el control por el alcohol. La relación duró 13 meses. «No creo que estuviera enamorado de mí más de diez minutos», se lamentaba ella.
Se acostó con muchos de sus artistas. Con Yves Tanguy mantuvo un tormentoso romance (durante una pelea ella cayó a la chimenea), pero de quien se enamoró locamente fue de Max Ernst. Él, en cambio, se casó con ella por su dinero. Siempre estuvo obsesionado con Leonora Carrington. Peggy se moría de celos:a ella nunca la pintaba, a Leonora sí. «Lo que Max necesitaba para pintar era paz, lo que yo necesitaba para vivir era amor. Como ninguno de los dos le daba al otro lo que necesitaba, nuestra unión estaba abocada al fracaso». Entre sus últimas relaciones, Gregory Corso, uno de los «beat». Peggy tenía 60 años, él 27. «Le ofrecí mi alma a cambio de vida», confesaba el poeta. Y Raoul Gregorich, un atractivo italiano amante de la velocidad, que murió en un accidente en un coche que ella le regaló.
«Soy un museo»
Peggy Guggenheim junto a una obra de arte- ABC
Pero más allá de su, digamos, azarosa vida privada, Peggy Guggenheim atesoró una de las mejores colecciones de arte moderno del mundo, que hoy puede admirarse en el maravilloso Palazzo Venier dei Leoni, en el Gran Canal de Venecia, donde vivió sus últimos 30 años. Antes había fundado dos importantes galerías de arte: primero, en Londres,Guggenheim Jeune (1938-1939); más tarde, en Nueva York, Art of This Century, templo de la vanguardia entre 1942 y 1947, por el que pasó lo más granado del arte del siglo XX. «No soy una coleccionista. Soy un museo», decía Peggy.
Sobrina de Solomon Guggenheim, fue Marcel Duchamp su mejor cómplice:«Intentó educarme, me dio muchos consejos, me presentó a todos los artistas. A él tengo que agradecerle mi incursión en el mundo del arte moderno». Pollock, «su vástago intelectual», decoró el vestíbulo de su residencia en Manhattan con un mural que cambió la Historia del Arte. Amiga de Paul y Jane Bowles, Yoko Ono, John Cage..., por las fastuosas fiestas de su palacio veneciano pasaron Felipe de Edimburgo, Tennessee Williams o Truman Capote, que escribió allí «Hablan las musas». Venecia aún llora hoy a la última Dogaressa.
El hiperrealismo es la tendencia realista más absoluta de la Historia. Se basa en la representación fidedigna de los elementos. No podemos hablar de un origen en concreto de ésta intencionalidad pues desde las pinturas rupestres encontramos indicios de querer representar la realidad de los acontecimientos en pintura. El hiperrealismo no es más que la evolución de ésto.
Se afianza en los años 60 por lo que su asentamiento en el mundo del arte va, inevitablemente ligado por un lado a la corriente del Pop-Art americano y por otro lado, en Europa, se asocia a un lirismo casi surrealista.
Las técnicas más habituales con las que trabajan los pintores hiperrealistas son el óleo y la pintura acrílica, aunque no son las únicas, pues también se emplean acuarelas, aerografía, rotuladores…
Hemos querido hacer una recopilación de las figuras más representativas e influyentes del hiperrealismo a día de hoy.
Los 30 hiperrealistas más destacados
Antonio López (Tomelloso, Ciudad Real 1936), no podíamos empezar este listado por otra persona que no fuera el genial pintor manchego. Referente del hiperrealismo español, Premio Príncipe de Asturias, es conocido por la meticulosidad con la que planea hasta la hora exacta en la que poder pintar para que la incisión de la luz sobre los elementos sea siempre la misma.
Jason Degraaf (Montreal, 1971) Diseñador, ilustrador y pintor canadiense. Igual que Antonio López prefiere partir del vivo para representar sus obras y no, basarse en fotografías. Sus obras reflejan el atractivo que encuentra en los colores reflejados y los destellos de la luz.
Edward Hopper (Nyack 1882 – Nueva York 1967).Influenciado claramente por el Pop-Art, este pintor norteamericano supo retratar la soledad que oculta el “sueño de vida americano” son conocidas, principalmente sus obras sobre gasolineras, vías de tren, retratos de trato íntimo y cercano.
Don Eddy (Long Beach, California 1944) saltó a la fama gracias a su dominio del aerógrafo para representar todo tipo coche. Considerado un fotorrealista su obras han tratado varias temáticas, actualmente gira hacia el campo de la metafísica.
David Parrish (Birmingham, 1939). Del hiperrealismo de los coches al de las motos. David Parrish es pintor, asesor de empresas, entrenador, escritor y orador. Un artista polifacético bien adaptado a las exigencias del mundo del arte a día de hoy.
Richard Estes (Kewanee, Illinois 1932). Es un pintor estadounidense que ha basado su carrera en el estudio hiperrealista de ciudades, paisajes geométricos y ambientes urbanos todo ello con unos ligeros tintes del Pop-Art Americano.
Steve Mills (Boston, Estados Unidos, 1959) Claramente influenciado por Richard Estes, el joven Mills estudió Arte y eligió como pilar central de su trabajo los elementos que concibe en la cuotidianidad de su día a día.
Pedro Campos (Madrid, 1966) es un impactante pintor madrileño que transmite a través de sus óleos cuestionarnos el origen de las obras que vemos ante nosotros, sobre si son fotografía o pintura. Influenciado por el mundo del pop art, en sus obras aparecen elementos clásicos de la sociedad consumista en la que vivimos inmersos.
Hilo Chen (Yilan, Taiwan, 1942) es un pintor taiwanés-americano especializado en el retrato de cuerpos femeninos en traje de baño.
Alyssa Monks (Ridgewood, Nueva Jersey 1977) La fascinación de esta pintora por representar el agua cautivan al espectador desde el primer instante.
Roberto Bernardi (Todi, Italia, 1974) Artista italiano especializado en el detalle más imperceptible. Sus obras suelen estar repletas de elementos que se acumulan o almacenan e estanterías, estantes, recipientes…
Robert Neffson (Nueva York, 1949) Es un hiperrealista americano que ha volcado toda su vida en el arte. No conoció a su padre y vivió con su madre hasta los siete años, cuando ésta falleció. De ella, que era pintora amateur aprendió el amor por el arte, el cual fue perfeccionando con sus estudios en Nueva York.
Paul Roberts (Tiverton, Devon, Ingleterra 1948) Artista británico. Tuvo sus primeros idilios con el mundo del arte a través de la música, aunque para nosotros es más destacable su labor como pintor.
Eduardo Naranjo (Monesterio, Badajoz, Extremadura, 1944) Es un pintor de origen extremeño afincado en Madrid, escenógrafo, pintor y grabador de reconocido prestigio es un virtuoso de las percepciones y un provocador nato de sensaciones en el espectador.
Javier Arizabalo (San Juan de Luz, Francia, 1965) Retratista del cuerpo humano. Especialista en el dibujo y la pintura, se cultivó en la Facultad de Bilbao donde trató otras disciplinas como la fotografía o la infografía.
Gina Heyer (Sudáfrica, 1983) artista hiperrealista sudafricana especialista en la representación de espacios vacíos como aulas, institutos, colegios, hospitales…
Robin Eley (Londres, Inglaterra 1978) Pintor londinense, hijo de padre australiano y madre china. Ha vivido en varios continentes a lo largo de su vida, aprendiendo de cada uno de éstos lugares las mejores técnicas para convertirse en un virtuoso de su profesión. Actualmente en su trabajo podemos encontrar un símil que se repite en sus obras y es la intención de preservar el cuerpo protegiéndolo con embalajes plásticos.
Tjalf Sparnaay (Haarlem, Paises Bajos 1954) Pintor holandés completamente autodidacta. Basa su trabajo en el retrato de objetos cotidianos, influenciado por la publicidad y los artículos comerciales.
Doug Bloodworth (Base naval EEUU en Filipinas, 1957) cómics, pasatiempos, chucherías, chocolates, bollería, refrescos… las pinturas de lo cotidiano, obras que ponen de manifiesto el ayer y hoy de todos estos productos símbolo de la adolescencia de madurez de muchas personas.
Diego Fazio (Lamezi Terme, Italia 1989) Extatuador italiano de apenas 25 años que armado con papel y lápiz se ha merecido un claro hueco en esta lista de los mejores hiperrealistas del mundo.
Claudio Bravo (Valparaíso, Chile 1936 – Taroudant, Marruecos 2011) Pintor chileno que buscaba en la cotidianidad su obra, él prefería denominarse superreralista, porque tomaba como modelo la pieza al natural, desechando el uso de la fotografía.
Eric Chistensen (Redding, California 1969) El rey de las veladuras. Crea sus obras a base de capas y capas de pintura que van variando ligeramente la tonalidad de cada uno de los elementos representados.
Gottfried Helnwein (Viena, 1948). Este artista austriaco no puede ocultar sus raíces a juzgar por sus obras, en las cuales quedan latentes las influencias de sus antecesores. La máxima de Helnwein es evocar la experiencia del reconocimiento expresivo, de hecho sus primeras obras a óleo estaban protagonizadas por niños pálidos heridos. Actualmente trabaja la fotografía y la pintura.
Hugo Laurencena (Buenos Aires, Argentina, 1950). Es un pintor nacido en argentina, nacionalizado en México. Dedicado a la investigación de las artes plásticas, más concretamente al campo de la pintura y la incisión de la luz. Aspectos que le han permitido ser más meticuloso en su propia obra.
Charles Bell (Tursa, Oklahoma, 1935 – Nueva York 1995). Fue un pintor del hiperrealismo americano muy influenciado por el Pop-Art. Empleó el mundo del circo y los juegos infantiles como eje central de su pintura.
Diego Gravinese (La Plata, Buenos Aires, Argentina, 1971). Este pintor argentino destacó gracias a la publicidad y los dibujos animados en la década de los noventa. Para realizar sus trabajos se basa, principalmente en la fotografía.
Ralph Goings (Corning, California 1928) es un pintor estadounidense que se asocia al fotorealismo de los 60 y 70. Es conocido por sus obras que representan cafeterías y hamburgueserías, que reflejan la vida diaria del americano de esas décadas.
Jean Olivier Hucleux (Chauny, Francia 1923 – París 2012). Fue un pintor y diseñador francés. Que tuvo sus idas y venidas con la pintura, dejó de pintar durante largas temporadas, aunque, por fortuna siempre acababa volviendo a retomar los pinceles.
Eric Zener (Astoria, Oregón, EEUU 1966). Pintor americano hiperrealista – fotorrealista, toma como modelos fotografías, que siempre tienen, de una manera u otra, relación con el cuerpo humano en el mundo acuático.
Enrique Sobisch (San Rafael, Argentina, 1929 – Madrid 1989). Fue pintor y dibujante, nacido en Argentina y fallecido en España. Pasó, a lo largo de su vida, por distintos movimientos artísticos como el arte abstracto, el cubismo, el tachismo o el fauvismo antes de llegar al hiperrealismo.
¿Qué os ha parecido este listado? ¿Creéis que nos hemos dejado alguno que merezca estar en este “top 30”?
Atendiendo a las sugerencias de los comentarios, sumamos otros artistas a este listado sobre el hiperrealismo
Helmut Disch (Villa Ballester, Buenos Aires, Argentina 1962). Recomendado por Alice Domz.
Dirk Dzimirsky (Rhede, Alemania 1969) Recomendado por Leo.
Borja Bonafuente Gonzalo ( Madrid, 1978) Recomendado por Ana Rey.
Marco Grassi Recomendado por Rosa Montelongo.
Miguel Aguirre (Perú) Recomendado por Anna.
Matthew Cornell Recomendado por Rene Iturra.
Zaria Forma Recomendado por Rene Iturra.
Chuck Close (1940, Monroe, Washington) Recomendación de Santiago Ruiz.
John Baeder (1938, South Bend, Indiana) Recomendación de Santiago Ruiz.
Robert Bechtle (1932, San Francisco, California) Recomendación de Santiago Ruiz.
Anthony Brunelli (1968, Plattsburgh, Nueva York) Recomendación de Santiago Ruiz.
Raphaella Spence (1978, Londres) Recomendación de Santiago Ruiz.
Magda Torres Gurza (1974, Ciudad de México, México)Recomendación de Santiago Ruiz.
Denis Peterson (1944, Nueva York) Recomendación de Santiago Ruiz.
Luis Pérez (1978, Valladolid) Recomendación de Santiago Ruiz.
Juan Carlos Manjarrez (1970, Guadalajara, Jalisco) Recomendación Anais Moxie.
Harold Muñoz (1978, Venezuela) Recomendación de Carlos.
Imán Maleky (1976, Teherán) Recomendación de Luis y Micke van dee.
Omar Ortiz (1977 Guadalajara, Méjico) Recomendación de Guillermo H. Rodríguez y Micke van dee
Alfredo Rodríguez (1954, Tepic) Recomendación de Guillermo H. Rodríguez
Hermanos Santilari (Pere y Josep) (1959, Badalona) Recomendación de Pilar
Nigel van Wieck (1947, Bexley, UK) Recomendación de Pilar
Peter Perlegas Recomendación de Natalia
Mike Dargas (1983, Colonia) Recomendación de Natalia
Jorge Villalba (1975, Alicante) Recomendadción de Aurora Fernández González.
Alvaro de Bautista (1937 Montevideo) Recomendación de Jg.
G. Prieto (Burgos 1846 – Santander 1915) Recomendación de Jose González
Gustavo Silva Nuñez (Valencia Venezuela) REcomendación de Ramón
Suso C. Ben Recomendación de Arturo
Rodolfo Insaurralde Recomendación de Alicia
Claudio Sacchi (Italia) Recomendación de Juan Carlos Contreras
https://en.wikipedia.org/wiki/Gold%27s_Gym
