El vino rosado no siempre ha sido muy apreciado, pero cada vez más son los amantes del vino que se dejan seducir por sus muchas cualidades, especialmente cuando llega el buen tiempo. En Uvinum le tenemos especial aprecio y, además, hemos escrito varios artículos sobre él. ¿Quieres saber más sobre el vino rosado? ¡Aquí tienes varios artículos que seguro que te gustarán!
El vino rosado es una bebida de larga tradición en muchas partes del mundo, como en Francia, donde es muy apreciado. Existen muchos vinos rosados de muy buena calidad en todas partes y se puede disfrutar de igual manera que un buen tinto, con un maridaje especial y entre amigos y familia.
Maridajes imbatibles con vino rosado
En verano apetece un vino rosado junto al mar. Frescos, con carisma y con aromas frutales. Los rosados más ambiciosos pueden maridarse con diversos alimentos, conoce algunos de sus maridajes.
¿Cómo se elabora el vino rosado?
Apreciado por su exquisitez y su suavidad, el vino rosado se ha convertido en un producto sugerente y codiciado. En España, ha pasado de ser un vino de segunda a protagonizar vinos de calidad excepcional.
Vino Rosado, te quiero taaaaaaanto
Carta abierta de amor al vino rosado de Nico Bour, cofundador de Uvinum y amante confeso de este tipo de vino, donde destaca lo denostados que han estado estos vinos en España.
Los mejores cócteles con vino rosado
El vino rosado es una bebida deliciosa. Por supuesto que es excelente solo, aunque también puedes elaborar cócteles fantásticos para las noches de primavera y verano.
Muga Rosado 2015: un vino rosado de la DO Rioja que incluye macabeo, garnacha negra, tempranillo, viura y garnacha de 2015 y de un grado alcohólico de 13º.
Hery Matisse: "Vista de Collioure" (1906). San Petesburgo. "Mujer marroquí" (1912). San Petesburgo.
Nos encontramos en la ciudad de París, a finales de 1905. Un crítico de arte pasea por las estancias donde se presenta el Salón de Otoño correspondiente a ese año. Una parte de los cuadros que forman la exposición producen en el crítico una fuerte conmoción. Le resultan tremendamente desagradables, mal realizados, sin ninguna profesionalidad y con colores chillones. Para calificar lo que ha visto no se le ocurre otra denominación mejor que la de cuadros "fauves" (fieras, en nuestra lengua). Así fue como Louis Vauxcelles dio nombre, aún sin quererlo, a un nuevo movimiento pictórico, una de las primeras vanguardias artísticas del siglo XX: el fauvismo. El arte de las fieras.
Maurice Vlaminck: "El restaurante `la Machine´, en Bougival" (Hacia 1905). Paris.
Los pintores fauvistas reaccionan de forma radical contra los postulados impresionistas. Para ellos el objeto principal de la pintura no ha de ser la luz, sino el color. Niegan que sea la luz la que cree los colores y casi afirman que el color tiene existencia por sí mismo. Esa es la esencia del fauvismo: la pasión por el color, al que dejan expresarse de manera pura. Las mezclas en la paleta resultan innecesarias; mejor emplear la pintura tal como sale del bote. Colores puros, planos, vivos, llamativos, sin mezcla que los contamine. Pero para que los colores no se "peleen" hace falta dibujar, marcar los contornos de las figuras, señalar unas fronteras entre ellos. Hay por tanto también en el fauvismo una clara recuperación del dibujo, en cuanto que ayuda a definir el espacio de cada color.
De esa última idea de espacio pictórico arranca la otra gran característica del fauvismo. El color es plano, el espacio es plano en el cuadro, de manera que la perspectiva va a perderse en manos del color, la profundidad deja casi de existir y además no existen focos de luz que organicen la superficie pictórica. El color crea el espacio y, además, es amigo de lo simple, de lo sencillo. He aquí una huella de los planteamientos que Gaugin había ya formulado.
Andre Derain: "El puente de Charing Cross, en Londres" (1906). Washington.
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Fue así como los principales pintores fauvistas, los francesesHenry Matisse(1869-1954) yAndré Derain(1880-1954) o el holandés Maurice Vlaminck (1876-1958), crearon durante algunos años una corriente pictórica enormemente poética, basada en la sencillez, en la que tratan de reflejar la realidad de forma absolutamente emocional; a fin de cuentas, los colores describen emociones. Su pintura está vinculada al mundo de los sentidos, a la percepción. Por eso un ser humano puede ser rojo y el agua de un río amarilla o las montañas rosas. El color lo es todo.
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Visitad esta exposición virtual sobre el fauvismo en la Galería Nacional de Washington y consultad más datos sobre los fauvistas y sus obras en esta página.
Se dice que es arte todo aquello que hace el ser humano con una finalidad estética o con intención de transmitir algo, ya sean emociones, sentimientos… Por tanto sabemos que existen muchas formas de hacer arte, y una de las más trascendentes es la pintura.
Desde las pinturas rupestres, en la prehistoria, este arte ha ido evolucionando y dejando a la humanidad una herencia de valor incalculable.
En España hemos tenido grandes pintores reconocidos a nivel mundial, como Picasso o Velázquez, de los que se conservan grandes obras, la mayoría de ellas expuestas en museos. Sin embargo no siempre fueron valorados de la misma forma. Parece que es un patrón que se repite generación de pintores tras generación. La mayoría de los reconocimientos fueron a título póstumo de los artistas, al igual que su fama.
Antonio López García
Lo que realmente parece llamativo no es que los artistas no fueran reconocidos en esos momentos, sino que siga siendo de la misma forma con la generación de pintores actual. En España tenemos un claro exponente de la pintura del siglo XX y XXI, Antonio López, al que se le han concedido algunos reconocimientos oficiales pero, aún así, son pocos los privilegiados que conocen al artista y pueden disfrutar de su obra.
Antonio López nació en 1936 en Tomelloso, provincia de Ciudad Real y desde muy joven supo que su vida iba a estar dedicada a transmitir mediante la pintura. Por las características de su obra, se ha convertido en uno de los máximos exponentes del hiperrealismo, y es que más que pinturas, en ocasiones, parecen fotografías. Es impresionante la forma que tiene de reflejar en el lienzo todo lo que ve.
En su obra vemos un minucioso estudio de la forma, de los detalles y una clara intención de plasmar la realidad de la manera más fiel posible. De esta forma, parece casi imposible encontrar diferencias entre la imagen real y la pintura de Antonio López. Como vemos en una de sus obras más conocidas, La Gran Vía de Madrid. Es muy común en su obra, ver paisajes o escenarios de la vida cotidiana, como un baño o una cocina, y figuras humanas realizando tareas diarias.
Cuadro de la Gran Vía
También en escultura podemos ver trabajos del maestro, que muestran detalles profundos de las formas, como se observa en la cabeza de bebé gigante.
Destaca sobre el resto de pintores de su generación por salirse de la tendencia actual, que tiende a lo abstracto.
Sin duda alguna, este es el momento para conocer la obra del gran Antonio López y comenzar a cambiar ese “patrón” que lleva siglos siendo una lacra para la pintura mundial.
“El lenguaje de la pintura ha ido haciéndose más complejo porque el mundo también se ha vuelto así” Antonio López
En el mundo de las artes, el hiperrealismo es una corriente pictórica en la que si alguien no te dice que estás viendo una pintura, probablemente creas que te encuentras frente a una hermosa fotografía. Por eso, te advertimos que en esta publicación solo incluimos pinturas hiperrealistas elaboradas por las manos de artistas sumamente talentosos.
Tjalf Sparnaay
¿Se te antoja la comida en este gráfico? ¿Parece lo suficientemente buena como para incluirla en un menú?
En realidad se trata de una pintura al óleo, obra del artista holandés Tjalf Sparnaay, que suele crear maravillosas representaciones de comida con sus trazos. A los 61 años de edad, el artista es considerado una de las figuras más importantes de la corriente internacional del arte hiperrealista y viene trabajando con la técnica desde 1987. Los precios de sus obras oscilan entre los USD$ 20 mil y USD$ 130 mil dólares, según el tamaño.
Joongwon Charles Jeong
Frecuentemente confundidas con una fotografía, las pinturas de Joongwon Charles Jeong son terriblemente realistas.
El artista suele valerse de movimientos muy delicados de pincel e incluso detalla los poros sobre la piel de los personajes que se propone retratar. Tiene su sede en Corea del Sur y estudió Diseño y Comunicación Visual en la Universidad Hongik de Bellas Artes, en Seúl. También suele compartir sus conocimientos con jóvenes artistas interesados en la técnica.
Gottfried Helnwein
De orígenes austriaco-irlandeses, Gottfried Helnwein es un artista visual que labora como pintor, diseñador, fotógrafo, muralista, escultor y artista de instalación y performance, empleando en su trabajo toda una gama de técnicas y medios de comunicación.
Esencialmente, Helnwein suele retratar en sus obras problemas relacionados con la ansiedad psicológica y sociológica, así como temas históricos y asuntos políticos. Como resultado de esta mezcla de conceptos tan volátiles, su trabajo muchas veces es considerado provocativo y controversial. Sus pinturas se encuentran entre las fronteras de lo perturbador y lo bello, pero siempre con una pizca de provocación.
Y aunque el tema de sus exposiciones generalmente no agrada a todos (pues gira en torno a la violencia y los niños), ciertamente sus habilidades con los pinceles y la pintura son innegables. Además, suele pintar con gafas de sol.
Este sujeto sabe que es bueno y se nota.
Emanuele Dascanio
Los tradicionales lápices de grafito en las manos de cualquier mortal generalmente no terminan más que en garabatos. Pero entre los dedos de Emanuele Dascanio pueden producir obras alucinantes, casi increíbles. Los retratos realistas de Dascanio vibran con emoción, energía y espiritualidad.
Con un desarrollo magistral de la técnica apoyado por su mirada artística, elabora imágenes que pueden engañar a los ojos más expertos.
Emanuele Dascanio nació en un municipio italiano llamado Garbagnate Milanese, en 1983. Tras titularse en la escuela de arte, trabajó por su cuenta durante cinco años. Después de esto se hizo asistente del famoso pintor australiano Gianluca Corona. Corona le enseñó a su pupilo las técnicas de los antiguos maestres del Renacimiento. Desde entonces, Dascanio ha sido reconocido por sus pinturas en el norte de Italia, entre los premios que se ha merecido está el prestigiado premio nacional de pintura Le Segrete Di Bocca.
El tema en el retrato de arriba se inspiró en la imagen del padre de Dascanio.
Roberto Bernardi
Actualmente con 40 años, Roberto Bernardi invierte hasta un mes elaborando cada una de sus increíbles obras visuales. Oriundo de la ciudad de Todi, en Italia, el artista se inició en la pintura a una edad muy temprana, y sus primeros trabajos con óleos provienen de los primeros años de la década de 1980.
Dedicó su estudio a aprender técnicas pictóricas que tendrían una influencia significativa en su formación artística. Tras una primera inclusión en el mundo de los paisajes y los retratos, Bernardi volcó todos sus esfuerzos al hiperrealismo.
Actualmente, sus obras están disponibles en la Bernarducci Meisel Gallery, en la ciudad de Nueva York, Estados Unidos. Los precios varían entre los $20 mil y los $130 mil dólares.
Eloy Morales
La siguiente imagen parece el resultado de una explosión en una fábrica de pinturas, pero es el impresionante trabajo del renombrado pintor hiperrealista español Eloy Morales.
De la misma forma que nuestro artista anterior, a Eloy le toma aproximadamente un mes concluir cada una de sus obras, trabajando unas ocho horas al día en su estudio. Si tomamos en cuenta el plazo, cantidad de detalles, tamaño de la obra y la calidad del hiperrealismo en el trabajo terminado es imposible no impresionarse.
Morales, que ya tiene 40 años, ha expuesto sus obras alrededor del mundo empezando por España, después Italia, Francia, Inglaterra, México y los Estados Unidos.
Robin Eley
Cuando finalmente descubres que las obras de Robin Eley son pinturas al óleo y no fotografías, es imposible no volver a mirar. Por más complicado que resulte pintar a las personas de una forma tan realista, Robin todavía se las arregla para “empacar” a sus modelos en plástico, lo que le da una pizca de genialidad extra a su arte.
Invierte aproximadamente cinco semanas en cada pintura, dedicándose unas 90 horas por semana. Intenta explorar la percepción del aislamiento en el mundo moderno, y la cubierta de plástico justamente funciona como un medio para esto, pues es algo a través de lo que se puede ver, pero es imposible de sentir por completo.
Diego Fazio
Conocido en Internet con el seudónimo de DiegoKoi, el artista Diego Fazio es capaz de hacer cosas increíbles con nada más que lápices. Sus retratos hiperrealistas frecuentemente son confundidos con fotografías en blanco y negro.
Nació en 1989 en la ciudad italiana de Lamezia Terme y, a diferencia de la mayoría de los artistas en nuestra lista, es un autodidacta. Comenzó a dibujar en 2007 y a la fecha se ha hecho acreedor de numerosos (y merecidísimos) reconocimientos.
Ran Ortner
Ran Ortner es un artista muy peculiar pues sus obras consisten en pinturas del océano sobre lienzos que alcanzan los dos metros y medio de ancho. Generalmente no muestra tierra, cielo, barcos, figuras o punto alguno de referencia. Lo suyo son las olas, olas en una forma hiperrealista.
Para lograr esas olas tan realistas, Ortner suele utilizar blanco de una forma predominante como a la vieja usanza, esto debido a su mayor translucidez. Mezcla el color empleando plomo oxidado y aceite de nuez que él mismo prepara a fuego lento durante tres días. Sus otros colores – grises, azules y verdes, algunos tonos rojizos y violetas – también provienen de una técnica tradicional, a partir de minerales combinados con aceites de linaza, semillas de amapola o nuez.
En el mes de octubre de 2009, Ortner recibió el primer ArtPrize, una competencia anual fundada por el empresario Rick DeVos, nieto del cofundador de Amway. La bonificación de medio millón de dólares es la mayor cantidad monetaria de este tipo para el arte en el mundo y se concede por decisión popular.
Tras más de 330 mil votos, la pintura “Open Water No. 24”, de Ortner, se alzó con la victoria. Antes de ganar, Ortner se las veía negras para llegar a fin de mes, y hasta se vio obligado a solicitar préstamos para saldar sus deudas.
Kyle Lambert
Seguramente reconoces esta imagen de Morgan Freeman que se volvió viral hace algún tiempo. La realizaron con un iPad y el responsable fue el artista Kyle Lambert a quien le tomó un mes de trabajo en la app Procreate.
El artista de origen británico pasó más de 200 horas en la aplicación y realizó más de 285 mil pinceladas, un proceso que fue documentado en un video – después de todo, no es el tipo de cosas que suceden frecuentemente.
Dru Blair
¿Fotografía? Al principio del artículo mencionamos que no pondríamos ninguna y lo cumpliremos. Esta imagen es de una modelo llamada Tica y no es una fotografía, sino una pintura.
La increíble y detallada obra pertenece a Dru Blair, que utiliza una técnica llamada “airbrush”. Valiéndose de pequeños aerógrafos hace delicados trazos de tinta, y esta pintura le tomó más de 70 horas de trabajo para llegar a este nivel de detalle. Si te fijas bien, incluso podrás notar los poros de la piel.
Raimat Clamor Rosado
Muga Rosado 2015
